Галерея античных слепков

         Знакомство с музейным собранием начинается с галереи античных слепков. Её экспозиция состоит из двух разделов. Один из них – экспозиция слепков древнегреческой скульптуры из собрания Луганского художественного музея, другой – изображения древнегреческой керамики из коллекции Воронежского областного художественного музея им. И.Н. Крамского.

         Начнем с первого раздела. Подлинники, с которых были сняты наши слепки, являются частью Берлинского античного собрания, основанного еще в 1671 г. В конце второй мировой войны, советские войска, с целью обезопасить скульптурные шедевры от возможного их уничтожения, перевезли их в Ленинград (Санкт-Петербург). Здесь они были подвергнуты научной экспертизе, реставрации, а с некоторых из них были сняты слепки. Вот эти слепки (вернее – их часть) и были вскоре переданы в наш музей.

         Количественно наше собрание слепков небольшое, около полутора десятков экземпляров. Но в нем отражены все основные этапы истории и некоторые характерные явления античной скульптуры.

         Греческое изобразительное искусство прошло длительную и сложную эволюцию, сохраняя на всех своих этапах единство содержания – образ прекрасного, гармонически развитого человека. В период архаики (7-6 вв. до н.э.) наиболее распространенными типами скульптуры были куросы и коры – свободно стоящие фигуры юношей и девушек. Для кор характерна фронтальность и застылость фигуры.

         В художественном плане перед скульпторами стояли две основные задачи - передача свободного движения человеческого тела (освобождение его от сковывающих движение условностей архаики) и создание идеального образа человека.

         С образцами решения этих проблем мы можем познакомиться на примере двух наших работ. В рельефе «Танцовщица» (V в. до н.э.) мастер прекрасно передал стремительность движения, грациозность и страсть танцующей менады.

         Пример решения второй проблемы представлен знаменитой статуей Поликлета «Дорифор» (копьеносец) – 440-е гг. до н.э. Яркими образцами рельефной скульптуры этого периода служат надгробные стелы из нашей коллекции: «Надгробная стела Силенис», «Надгробная стела Лисистраты» (обе – IV в. до н.э.).

         Статуя Зевса – это фрагмент Пергамского архитектурного-скульптурного алтаря.

         В эллинистический период возникает интерес к личности конкретного человека, к событиям повседневной жизни. Распространяются жанровые скульптуры, украшающие дворцы и парки богатых людей. В этом ряду находится наша «Девочка, играющая в кости».

         Второй раздел выставки включает в себя фотографии образцов древнегреческой керамики из собрания Воронежского областного художественного музея им. И.Н. Крамского. Для удобства рассмотрения изображений они размещены в специальные световые короба – лайтбоксы.

Отдел западноевропейского искусства XVI – XIX вв.

Живопись Италии XVI – XVIII вв.

         Во втором зале экспонируется собрание итальянской живописи
XVI–XVIII вв. Оно включает в себя целый ряд полотен, раскрывающих характер искусства Италии данного периода.

         Самые ранние из них были созданы в эпоху Возрождения – переломного периода в истории Европы, когда на смену религиозному мировоззрению пришло светское мировоззрение, воспроизводившее в своих основаниях искусство античности.

         С религиозной живописью Возрождения, пронизанным пафосом познания земного и духовного назначения человека, знакомит произведение Моретто да Брешиа "Мадонна с Христом и Иоанном Крестителем". Образ Мадонны для художников Ренессанса был символом обожаемого человека. Так, в своем полотне Моретто создает образ, полный идеальной красоты и гармонии. Осознание ценности человеческой личности легло в основу портретного жанра Возрождения.

         "Портрет дожа", "Портрет юноши в берете" венецианских мастеров XVI в. раскрывают разные грани видения человека искусством этого времени.

         Картина "Оплакивание Христа" Ф. Тревизани – произведение, написанное, когда эпоха Возрождения ушла в прошлое. В ней нашло наглядное воплощение рождение новой, далекой от ренессансной концепции мира и человека. Картина написана в духе героических традиций Возрождения, но подчеркнутый драматизм образа позволяет почувствовать различие в мировоззрении двух эпох. Человек стал изображаться, как жертва темных сил и всю надежду на спасение он возлагал только на Бога. Чувства и переживания совершенного, но обреченного на гибель человека, становятся главным объектом изучения мастеров XVII в. Полотна "Моление о чаше", "Даниил во рву львином", неизвестных авторов полны возвышенной патетики. Сюжеты этих и других картин изложены в экспликациях возле них.

Интерес к человеку реальному, атрибутам его бытия, столь характерный для творчества выдающегося новатора нач. XVII Микеланджело да Караваджо, находит воплощение в картинах "Мандолинист" художника школы Караваджо и "Натюрморте с рыбами" неизвестного художника. "Аллегория юстиции и умеренности" С. Конки, "Вакх у нимф" А. Никодемо – в этих работах причудливо переплетаются идеальное и реальное, возвышенное и чувственно конкретное.

Живопись Франции XVII – XIX вв.

В третьем зале экспонируется живопись французских мастеров XVII – XIX вв. Коллекция составлена таким образом, что в ней нашли отражение почти все значительные направления, стили и жанры французского искусства этого периода.

В XVII веке в художественной жизни Франции доминировал классицизм. В его основе лежали высокие гражданственные идеалы, героические образы, а стилистика классицизма определялась рациональным началом, мерой и порядком, композиционной уравновешенностью. Яркими образцами классицистских парадных портретов в нашей экспозиции являются «Портрет кардинала Ришелье» и «Портрет дамы в образе Минервы» (римской богиня мудрости и государственного правления).

В кон. XVII – нач. XVIII вв. простота изобразительного языка и героическое звучание классицизма уступают место театральным мизансценам, грациозности и изяществу образов – Жан Мари Вьен «Вакх и Ариадна», Антуан Куапель «Обморок Эсфири».

Во второй половине XVIII в. в искусстве Франции родилось новое течение – сентиментализм. Его родоначальником был Жан-Батист Грез, выдвинувший в своем искусстве на первый план культ чувств, простоты. «Голова девушки» относится к тому типу созерцательно-сентиментальных картин, который получил развитие в последние десятилетия творчества Греза.

Работы Ораса Верне («Всадник») и Эжена Изабе («Морской пейзаж») характеризуют две стороны романтизма, доминировавшего во французском искусстве I пол. XIX в. Это прежде всего интерес к реальному миру, его проблемам, стремление к точности и достоверности создаваемого образа и, во-вторых, трактовка природных стихий, особенно, моря, как живой, динамичной сущности.

Заканчивается наша экспозиция работой Анри Шопена «Возвращение блудного сына». Кстати, она имеет большое нравственно-воспитательное значение. В ее основе евангельская притча, рассказывающая о некоем юноше, который поругался с отцом, взял долю своего наследства и ушел из дому. Много он скитался, много терпел всяких невзгод и наконец решил вернуться домой. Отец, как видите, радушно принял сына.

         В четвёртом зале экспонируются произведения художников Северного Возрождения. Экспозиция открывается произведением нидерландского художника XVI в. "Моисей, иссекающий воду из скалы". Это старейший экспонат собрания нашего музея. Его отличает довольно своеобразное понимание историчности – ее сюжетом является событие, которое произошло за 3000 лет до ее написание, но одежда, утварь, город вдалеке (Антверпен) – во всем мы видим не древних иудеем, но современников художника. Архаизм формы, четкость контурного рисунка, эмалевая яркость красок позволяют рассматривать это произведение, как типичный образец продукции художественных мастерских Южных Нидерландов начале XVI в.

         Живопись Фландрии XVII в., отвечая запросам католической церкви, аристократии и высшего бюргерства, была тесно связана с европейским стилем барокко. Существенные черты этого стиля воплотились в картине крупнейшего художника этого времени – П.-П. Рубенса «Аллегория». В ней отражены понимание Фортуны, судьбы человеческой, как чего-то изменчивого, непостоянного.

         Особенности портретного искусства Фландрии прослеживаются в ряде представляемых портретов, среди которых внимание привлекает "Портрет императора Леопольда I" Ф. де Нева. Император изображен в виде Цезаря, в фантастическом окружении, которое символизирует его власть над миром. Сочетание в портрете внешней помпезности с реализмом образа является характерной чертой фламандских мастеров, которые работали при дворах европейских правителей.

         Подобное сочетание реального и фантастического, обыденного и возвышенного характерно и для "Пейзаж с водовозом" неизвестного художника. Дополняют экспозицию фламандской живописи "Битая дичь" художника круга Ф.Хамильтона.

         Художники Голландии XVII в. ориентировались на вкусы бюргерства и зажиточного крестьянства, что во многом определило содержание и образный язык произведений. Стремление к познанию многообразия мира оказалось в голландской живописи в таких непосредственных формах и с такой последовательностью, как нигде в европейском искусстве этого времени. В нем зарождаются и получают развитие новые жанры, переосмысливается содержание традиционных.

В ходе национальной освободительной борьбы против испанского засилья была по-новому осознана ценность человеческой личности, что стало основой расцвета портретной живописи Голландии XVIII в. Портреты голландских мастеров, находящихся в экспозиции, свидетельствуют об умении воспроизвести личность во всей ее неповторимости, показать достоинство обычного человека, не нарушая правды изображения («Мужской портрет»). Реалистичная целеустремленность голландской живописи прослеживается и в парадном "Портрете дамы с девочкой" А.Ханнемана.

         Чувство национальной гордости нашло отражение в пейзажном живописи Голландии. Природа родной земли становится для пейзажистов темой серьезного исследования. Аспекты ее воплощение многогранные - от простой констатации факта к философскому обобщению (К.Деккер "Пейзаж").

         Философское осмысление действительности присуще и голландском натюрморта, в частности, такому его вида, как "суета сует", в котором почти все изображенные предметы (часы, череп, зеркало) олицетворяют быстротечность, тщету человеческой жизни ("Интерьер кухни" Е.Л. ван дер Пула). Натюрморт был одним из самых распространенных жанров Голландии. Натюрморты, вошедшие в экспозицию, - это любовная рассказ о мире, который окружает обычную человеческую жизнь во всех ее аспектах ("Натюрморт с персиками" неизвестного художника, "Битая дичь" художника круга Я.Веникса).

          Бытовой жанр Голландии представлен в экспозиции полотном художника круга Г.Метсю "Сцена в парке", где тема человеческой жизни раскрывается не через события, но через состояния.

Русское и украинское искусство XVII – нач. XX вв.

         Пятый зал музея представлен скромной коллекцией русской портретной живописи XVII-XVIII и первой половины XIX вв.

         С процессом роста самосознания человека связано становление и развитие портрета - ведущего жанра в русском искусстве XVIII в. Предшественником этого жанра была парсуна (от слова "персона"), которая появилась в XVII в. Во многом используя приемы иконописи, мастера парсуны стремились отразить конкретные черты внешнего облика человека (парсуны Ивана Грозного, князя А.Б. Репнина, патриарха Иоакима Московского).

         XVIII в. - время расцвета парадного портрета в России. Портреты Екатерины II, Павла I знакомят с характерными чертами этого жанра: внешней эффектностью, репрезентативностью, стремлением к идеализации.

         Портреты первой половине XIX в. и его середины определяются более глубоким пониманием индивидуальных качеств человеческой личности. Шотландский художник Джордж Доу представлен у нас портретом одного из сподвижников императора Александра I - Н.С. Мордвинова. Художник создает привлекательный образ умного, разносторонне одаренного человека. Он был воин, генерал, руководитель промышленных отраслей России, крупный юрист. А вот русский художник В.А. Тропинин создает "Портрет П.И. Сорокоумовского". Здесь мы видим несколько другой тип – это купец, тоже умный, но расчетливый и деловой. В руке он держит вексель, рядом с ним, на столе – меха. Эти атрибуты ясно характеризуют социальный статус и круг занятий модели. Такая же и живопись Тропинина – точная, выписанная в деталях.

         Развитие реализма в русском искусстве первой половины XIX в. поставило новые задачи перед пейзажистами. Живая природа была впервые "открыта" в произведениях С.Ф. Щедрина, который долго работал в Риме и Неаполе. Его пейзаж "Неаполь", наполненный светом и воздухом, представляет Щедрина С.Ф. как художника-новатора, основоположника реалистического пейзажа.

         В первой половине XIX в. успешно развиваются все виды и жанры скульптуры. Ф.П. Толстой был выдающимся мастером скульптуры малых форм. Экспозицию украшают пять медальонов из его известной серии, посвященной событиям Отечественной войны 1812 г. и военным действиям 1813-1814 гг.

         В форме аллегорий эти изящные рельефы отразили важнейшие события борьбы русского народа с французами.

         Скульптурная композиции "Спящий мальчик" неизвестного автора (предположительно И.П. Витали) (1794-1855) запечатлела любовь и теплоту человеческих чувств к ребенку.

Экспозиция шестого зала открывается работами русских художников XVIII и первой половины XIX вв.(прежде всего – портретами).

          Вторая треть XIX в. представлена ​​прекрасными образцами романтизированного парадного портрета – "Портрет молодой женщины" и "Женский портрет" (оба 1830-е гг.) неизвестных художников и "Портрет Дальвен" (1851) А. Иебенса (1819-1888).

         Здесь также экспонируются произведения художников академического направления и картины выдающихся художников-передвижников.

         Петербургская Академия художеств (основана в 1757) продолжала считать высшим родом историческую живопись, под которым понимаются картины на мифологические и казенно-патриотические темы.

         В картине "Святополк Окаянный, скрывающийся в Богемском лесу" (1867) художник В.В. Шереметев представил главным героем далеко не идеального человека. Святополк получил прозвище "Окаянного" за убийство трех братьев-князей – Бориса Ростовского, Глеба Муромского и Святослава Древлянского. Здесь изображена заключительная часть этой трагедии – Святополк был окружен русскими дружинами Ярослава Мудрого, разбит и погиб.

         Против академических условностей в искусстве выступили прогрессивно настроенные художники-реалисты, которые объединились в 1870 в Товарищество передвижных художественных выставок. Они поставили перед собой задачу общественно-эстетического воспитания народа, путем изображения его реальной жизни, поданной с глубоким сочувствием к ней. Одним из основателей Товарищества был В.Г. Перов. Картина  "Странник" (1869) экспонировалась на большой персональной выставке его работ, открытой в 1984 г. в Государственной Третьяковской галерее к 150-летию мастера.

         "Лучшей славой" русского искусства великий русский критик В.В. Стасов назвал пейзажную живопись. Произведения А.К. Саврасова, И.И. Шишкина, В.Е. Маковского, дают представление о разнообразии и высоком художественном уровне пейзажной живописи художников-передвижников.

В 7-м и 8-м залах наиболее полно представлено творчество мастеров русского и украинского изобразительного искусства второй половины XIX - нач. XX в. Отдельный комплекс составляют картины художников-маринистов: И.К. Айвазовского, Л.Ф. Лагорио, Р.Г. Судковского, А.А. Ждахи, которые показали в своих пейзажах бесконечно разнообразную стихию – море, во всех его состояниях. Мотив прибрежной Ялты привлекал внимание Айвазовского в течение всей его творческой жизни. В этюде «У берегов Ялты» художник с большим мастерством передал предгрозовое состояние природы, объединив воду, небо и землю гармоничным колоритом.

         Обладая большой остротой и точностью зрения, Лагорио считал, что высшей задачей искусства является абсолютно точное изображение мира. В своей работе "Штиль на море. Судак" Лагорио с акварельной чистотой передал световоздушную среду и прозрачность воды.

         Привлекают внимание также произведение А.И. Жижиленко "Дорога. Пейзаж». Зритель невольно симпатизирует молодой героине картине, спешащей домой от грозы.

         B.Д. Орловского по праву называют одним из родоначальников украинского реалистического пейзажа. В картине "Жаркий полдень в южной усадьбе" (1868), художник, чтобы подчеркнуть стройность и высоту деревьев, вписывает их в такой несколько необычный формат.

         C.И. Светославский был одним из выдающихся украинских пейзажистов второй половины XIX - нач. XX в. В своих произведениях он продолжил лучшие традиции украинского и русского реалистического искусства. Круг его тем было достаточно широк. Он писал крестьянские дворики, великолепные картины Днепра, украинскую степь, городские пейзажи, виды Средней Азии. Светославский был одним из лучших анималистов своего времени. Подтверждением этого является картина «Коровы».      

         В 8-м зале представлены характерные жанровые пейзажи учеников Архипа Куинджи - Е.И. Столицы ("На берегу", 1904) и В.И. Зарубина ("Пейзаж с мельницей", 1908; "Танец на Днепре", 1910).

         В зале №8 показаны композиционные портреты Н.Г. Яшвиль "Портрет Корень" (1902) и "Мальчик с книгой". Наталья Григорьевна своими работами, посвященными детям, обогатила детскую тему в украинском искусстве.

         Кон. XIX - нач. XX вв. - переломная эпоха во всех сферах социальной, политической и духовной жизни. В культурной жизни сложился стиль модерн.

         Экспозицию 7-го зала украшают произведения выдающихся русских мастеров кон. XIX - нач.XXвв.: И.И. Левитана и В.А. Серова, М.В. Нестерова.

         Продолжателем традиций А.К. Саврасова и Ф.А. Васильева в русском пейзаже кон. XIX в. был И.И. Левитан, большой, самобытный оригинальный талант, «лучший русский пейзажист», как его называл А.П. Чехов. В экспозиции показаны два его этюдных пейзажа осенней природы.

         "Портрет артиста" С.А. Сорина отмечен необычным композиционным и цветовым решением. Он написан динамично, темпераментно, в широкой манере, местами пастозно. Сорин пользовался новым для того времени приемом смелых сопоставлений больших цветовых плоскостей. Однако при этом он не жертвовал важными характерными подробностями.

         Новые тенденции оказались не только в портретной живописи, но и в пейзаже и натюрморте. Значительный вклад в развитие пейзажной живописи внес М.В. Нестеров, выдающийся художник, который прошел большой и сложный творческий путь. В его работах дореволюционной поры отразились мучительные нравственные искания русского человека того времени. С характерной его картиной "Соловки» (1917) вы знакомитесь в зале № 10.

          Скульптуру XIX – нач. XX в. характеризуют черты классицизма, реализма и модерна.

.

Иконопись и церковная старина XVIII – XX вв.

         В 2021 году в Луганском художественном музее возобновили свою работу открытые фонды «Иконопись и церковная старина XVIII – XX вв.».

         Именно с открытия этой выставки в 1988 году началось системное, научное собирание, изучение и пропаганда иконописи на Луганщине. Сотрудниками музея были осуществлены научные экспедиции в самые отдаленные уголки региона, научно описаны храмовые и частные собрания икон и церковной утвари, выявлены некоторые центры иконописания и создания предметов православного культа, существовавшие на территории нашего края.

         Важное место в собрании занимают предметы, переданные нам из Центрального музея древнерусской культуры и искусства им. Андрея Рублева в конце 80-х гг. прошлого века. Сотрудник этого музея, ныне профессор Свято-Филаретовского Православно-Христианского института, знаток церковного искусства Александр Михайлович Копировский провел тогда же для любителей церковной старины края обширный лекторий по истории, иконографии и стилистике древнерусского искусства. Занятия лектория вызвали живое, заинтересованное внимание публики. Так возникла идея создания экспозиции открытых фондов музея из собрания церковной старины.

         Своеобразным промежуточным итогом этой работы стало проведение в 1999 году по благословению иерархов Луганской епархии международной научно-практической конференции «Роль музеев в сохранении памятников сакрального искусства» и открытие на базе музея реставрационной мастерской, выполнившей большой объем работ по консервации и реставрации икон из музейного собрания и действующих храмов.

         В экспозиции представлены иконы, собранные во время экспедиций музея ныне покойной Любовью Прокофьевной Корнишиной, искусствоведом, ведущим специалистом нашего музея, оставившей заметный след в истории изучения памятников старины на территории края.

         Экспозиция открытых фондов «Иконопись и церковная старина XVIII - XX в.в.» дает представление об иконе и культовом декоративно-прикладном искусстве как о феномене духовной мировой и отечественной культуры.

         Икона представляет собой специфический вид искусства. В отличие от светского изобразительного искусства, она показывает мир божественный. Икона – это окно, которое позволяет человеку вырваться из греховного мира и увидеть, словно из окна, мир божественный. Говоря иначе, икона – это мостик, который соединяет Небо и землю.

         А раз у иконы такое высокое предназначение, то и способы изображения на ней Бога и святых должны отличаться от обычных приемов живописи. И икона действительно имеет особые правила – каноны, по которым строится изображение. Рассмотрим главные из них. Важнейшим принципом иконописи до сих пор остается минимальное выражение телесности и максимальная упрощенность форм, изображенных на иконе. Вторая важнейшая особенность стилистики иконы – обратная перспектива. Можно еще отметить иерархичность, выражающуюся в разных масштабах фигур, имеющих разное значение в христианском богословии.

         Всего в экспозиции представлены 98 икон, принадлежащих к различным иконописным традициям России и Украины и 34 предмета церковной старины XVIII – XX веков.

         Широкий региональный охват экспозиционного материала обеспечивает обилие различных стилевых направлений, что позволяет ознакомить зрителя со спецификой развития культового искусства в поздний период своего существования.

         Основой экспозиции являются высокохудожественные произведения традиционных центров иконописи – Москвы, Киева, Метеры, русского Севера, старообрядческих центров – Рогожского кладбища, Ветки и др., которые во многом сохранили традиции старинного иконописания. Многие из них, являясь точными списками классических изводов, позволяют представить искусство иконописания, специфику его целей, задач, художественного языка.

         Последние поступления икон позволяют познакомиться с иконами Украины не только разных стилистических направлений, но и разных ее регионов. Здесь представлены иконы, написанные в стиле барокко, из апостольского ряда иконостаса: «Св. ап. Андрей», «Св. ап. Петр», «Св. ап. Матфей», «Св. ап. Фома» (Центральная Украина, Киевщина). Икона «Архистратиг Михаил» (нач. ХХ в.) является списком с образца типичной барочной композиции украинской иконы.

         Тенденции классицизма заметно проявились в иконах «Сретение (XVIII в.), «Богоматерь Боголюбская (нач. XIX в.), «Успение Богоматери» (с «облачными», со святыми Флор и Лавр на полях).

         Особый интерес привлекает комплекс художественного металла, ритуальной одежды священников, поступившей из Государственного Эрмитажа, и книгопечатного производства – «Библия» (1751 г., С.-Петербург). Декоративно-прикладное искусство представлено образцами художественных тканей и шитья, изделиями из цветного металла, дерева (кресты, оклады, складни) и др.